MITOS del POP

Curiosa exposición del Pop Art que surge a mediados del siglo pasado.

Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o el Equipo Crónica están presentes en todas las salas y en todos los temas que se exponen: collage, publicidad, comics, mitos cinematográficos, retratos, naturalezas muertas, paisajes, erotismo, acontecimientos históricos y versiones del arte clásico.

Me llama la atención que todos los artistas se ponen de acuerdo en realizar sus obras en formato XXL, son lienzos enormes. Otra curiosidad es cómo en esta época cualquier objeto, por cotidiano que sea, se convierte en motivo artístico, como queda reflejado en las latas de sopa, la 'aburrida' coca-cola, los dibujos animados, los/as artistas cinematográficos de la época, etc.

Este arte es desenfadado. El primer cuadro de Warhol que inicia la exposición me encanta (Detalles de pinturas Renacentistas, Sandro Botticelli, Nacimiento de Venus, 1482), 1984. El recorrido por las salas me hace ver la transformación de actitudes y normas sociales que se imponen en esos años, pero los cuadros, pinturas y collages no me atrapan. Supongo que en el arte hay diferencia entre que 'algo' te guste o te atrape. En mi caso me gusta, pero no llega a atraparme, salvo algún lienzo de Lichtenstein ( 'Mujer en el baño'  y 'Muchacha con lágrima III')

Roy Lichtenstein  'Muchacha con lágrima III',  1977   Óleo y magna sobre lienzo   117 x 101,5 cm

Roy Lichtenstein   'Mujer en el baño' 1963  Óleo sobre lienzo 173,3 x 173,3
 

En cualquier caso es una exposición original, colorista y desenfadada, como el propio movimiento Pop Art.   

DARÍO de REGOYOS 

Magnífica exposición que nos ofrece el Museo Thyssen de este artista asturiano nacido en el siglo XIX.

Tengo que reconocer, humildemente, que apenas conocía la obra de este artista y me ha parecido magnífica. Regoyos reúne en su pintura las características que más me atraen en los cuadros, a saber: los paisajes de exteriores, la originalidad cromática y el juego de la luz y la sombra. Técnicamente sus pinceladas son rápidas y podemos disfrutar de obras puntillistas e impresionistas. Al igual que Cèzanne coincidió y fue amigo de Pissarro, quien influyó en su pintura impresionista, al igual que otros representantes de la escuela belga y francesa, como Seurat o Signac.

Pese a su prematura muerte, Regoyos viaja por toda España pintando escenas y paisajes cotidianos, fiestas, playas y montañas. Granada, Burgos, Paisajes castellanos y sobre todo el País Vasco, Cantabria y Barcelona, donde recaló poco antes de morir. Las pinturas de playa son hermosas, magníficamente iluminadas. Una de las cosas que me ha llamado la atención es que utiliza malvas y morados en los cielos de casi todos sus cuadros (lo cual me encanta). Tormentas, lluvias y otros fenómenos atmosféricos son reflejados en sus pinturas 'in situ', pintados en exteriores a pie de tormenta.

El tratamiento de la luz queda plasmado magníficamente. Hay un cuadro (quizás el que más me ha gustado) de la luna llena en una playa de Almería sencillamente impresionante. Pero trata de igual manera atardeceres, amaneceres o  la luz incidiendo a distintas horas del día sobre un mismo lugar, como los cuadros que pinta en la plaza de Burgos por la mañana y por la tarde.

Poco conocía de este artista y la sensación de su pintura ha sido magnífica. La exposición nos trae más de cien obras que merecen la pena disfrutar con tranquilidad. A buen seguro repetiré la visita para disfrutar nuevamente de sus obras.

Otro dato de este artista es que en 1888 recorrió España junto al poeta Èmile Verhaeren pintando y descubriendo sensaciones. De ese viaje, años después, nació el libro 'España Negra', recopilando las impresiones del poeta e ilustraciones del pintor; muchas de ellas de una España cruda y cruel en sus celebraciones, como se demuestran en sus cuadros, Victimas de la fiesta (1894) o Viernes Santo en Castilla (1904).

Darío de Regoyos, 'Mercado en Durango' (1907)      

Darío de Regoyos, 'La Concha, Nocturno' (1906)  

PONTORMO (Dibujos)

La exposición nos muestra setenta dibujos de este maestro del Cinquecento florentino (Jacopo Carruci, 1494-1556). Asimismo se acompañan nueve dibujos más de figuras tan destacadas como Durero, Rembrandt o Tiepolo.

Lápiz negro y sanguina son los materiales utilizados por este magnífico artista y dibujante discípulo, entre otros, de Leonardo da Vinci. Lo que más me ha impresionado de la exposición es como se refleja, en estos pequeños estudios del cuerpo humano y en su dibujo, la expresividad del ser humano. Parece increíble como en unos pequeños trazos con lápiz y sanguina veamos claramente el miedo, la soledad, la angustia o el éxtasis de sus personajes que sirvieron como modelo para grandes obras escultóricas o pictóricas, y que fueron un principio del posterior artista moderno.

Pontormo. Cuatro estudios para la Pala Pucci. Lápiz negro y Sanguina 

PABLO PICASSO (En el taller)

Picasso es Picasso. Habrá a quien le guste más o le guste menos, pero desde luego lo que si destaca es la originalidad de su pintura.

La exposición que nos muestra Mapfre está magníficamente presentada. Los cuadros se exponen en dos pisos en los que se presentan más de ochenta pinturas, otros tantos dibujos y grabados, piezas de cerámica dibujada por el autor, fotografías de sus talleres, e incluso una colección de paletas del autor de más de cincuenta años de antigüedad.

Los talleres son el mundo creativo de Picasso. La obra del autor pasa por más de una decena de ellos a lo largo de su vida y se convierten en el espacio de su creatividad y de su experimentación en el lenguaje de la pintura, desde el Boulevard de Clichy, en Monmartre, hasta Notre-Dame-de-Vie, en Mougins.

La exposición nos permite apreciar la evolución pictórica del autor. Sus primeros mundos cubistas y abstractos que van abriendo camino a un clasicismo mezclado con tintes cubistas y surrealistas. También es apreciable su cambio de estado de ánimo a raíz de la guerra civil española. De esta época surge el Guernica como obra emblemática de autor. Pasada la guerra Picasso se deja seducir por su musa y nueva compañera, Jacqueline Roque, en sus famosas series del 'PINTOR Y LA MODELO', pintando variaciones y experimentando con su creatividad, hasta su últimos cuadros en los que Picasso, al igual que otros tantos artistas como Degas, Manet, Delacroix...,  se presenta como un mirón ante el espectador, un 'voyeur' a quien le distingue esa observación de lo ajeno.

Pablo Picasso. Autorretrato con paleta 1906       

Pablo Picasso. El taller 1934

PAUL CÈZANNE

(site / non-site)

Las obras que nos muestra el museo Thyssen en esta ocasión, de Paul Cèzanne (y algún Pissarro, Gaugain etc...), son sencillamente impresionantes; pero qué voy a decir yo de uno de mis pintores favoritos.

La exposición es para verla con calma y para deleitarse con el color, con la maestría de las manchas y con las pinceladas que dan forma a sus cuadros. Pero estas no son tan definidas como las de sus amigos impresionistas (Pissarro entre ellos) sino que son diferentes, geométricamente diferentes. El subtitulo de la exposición nos acerca a sus hábitos de pintura; en el exterior, al aire libre;  y en el interior de un estudio (lo cual le separa de los artistas impresionistas contemporáneos de su época que huían de interiores).

El recorrido arranca con un solo cuadro (Retrato de un campesino 1905-1906) en la primera sala y pasa por las siguientes salas con temáticas diferentes de su periodo artístico. La curva del camino, Desnudos y árboles, El fantasma de Saint-Victoire y Juego de construcciones son los títulos de dichas salas. Podemos ver muchos paisajes exteriores pintados una y otra vez de manera repetitiva, pero cada uno diferente; y podemos descubrir cómo su obra va modificándose desde los tintes e influencias impresionistas hasta una geometría colorista en exteriores que será fuente de inspiración para el posterior cubismo. También se exponen muchos cuadros de estudio. Cuadros de bodegones frutales que también van empapándose de la transformación artística del pintor y de esa geometría colorista. Destacan, asimismo, sus acuarelas.   

Lo que más me llama la atención es la atracción de sus cuadros (supongo que será por la llamada del color). Al entrar en cualquier sala y observar panorámicamente sus lienzos, el color y la vida de cada uno de ellos me atrapa y me engancha con facilidad. Aunque en su época sus cuadros no gustaron y se consideraron 'difíciles' de interpretar (incluso fueron motivo de mofa en alguna exposición), a mi me parecen sencillamente hermosos por su tremenda sencillez.

 El camino del bosque. (1870-1871)

La montaña Sainte-Victoire vista desde Bellevue (Hacia 1885)

SEBASTIÁO SALGADO

GÉNESIS

! IMPRESIONANTE EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA ! para todos los públicos, en especial para los amantes de la Naturaleza y los paraísos perdidos. La exposición es sencillamente magnífica;  cada fotografía me traslada a los lugares más recónditos que pueda imaginar y a los paisajes más bellos que pueda encontrar, los cuales será difícil que yo alguna vez pueda visitar, pero que merece la pena conocer como aquellos lugares vírgenes, inocentes (como la mirada de los niños), salvajes y descontaminados de globalizaciones industriales.

Salgado recorre con su cámara La Antártida y el cono sur; los Santuarios (por él nombrados) de las Galápagos, Indonesia, Papuasia y Madagascar; el África salvaje y hermosa de Botswana, Congo, Ruanda, Uganda y los desiertos de Argelia y del Kalahari; las tierras del norte en Alaska, Canadá, Estados Unidos, Siberia y la península de Kamchatka; y la Amazonia más salvaje. Cada fotografía nos traslada al más puro estado natural, al más bello paisaje, a la supervivencia en estado puro, y a todas esas formas de vida, y de vivir, que pasan desapercibidas en la Sociedad actual a la cual yo pertenezco.      

Quizás la exposición no solamente sea un deleite para los sentidos, sino que además nos tiene que hacer pensar  si el ser humano está dispuesto a perder toda esa belleza, toda esa energía, toda esa esencia de nuestro Planeta a cambio de 'beneficios' con fecha de caducidad. Desde mi modesto punto de vista creo que mucho nos equivocaríamos si dejáramos perder, o destruyéramos, el alma de nuestro mundo.

La exposición hay que tomarla con calma, son más de doscientas fotos, y en cada una podemos quedarnos prendados de mil detalles que pueden pasar desapercibidos en una sola mirada. Me surge la duda de cómo sería la exposición si las fotografías fueran en color. La verdad es que pienso que sería absolutamente fantástica; pero a mí, personalmente, me transmite mucho más la fotografía en blanco y negro, y la luz que refleja me da pie a imaginar esos paraísos aplicando el color que yo quiera en mi imaginación. A cada uno de nosotros nos gustará de una u otra manera, a mi me parece que el blanco y negro da más fuerza a las fotos, y en muchas ocasiones transmite el silencio necesario para admirar la fuerza de la Naturaleza, la inmensidad de lo observado. En cualquier caso es una exposición que merece la pena disfrutar tranquilamente.

COLECCIÓN MASAVEU

La exposición se puede calificar como un pequeño trocito del Museo del Prado en Cibeles. A los amantes del arte Sacro no les dejará insatisfechos. Las salas están muy bien ambientadas, con paredes en colores mates, y muy buena iluminación, que permite disfrutar plenamente de las obras.

El recorrido comienza con tallas y pinturas en madera y oro, para pasar posteriormente al lienzo, grandes lienzos bellamente trabajados. Particularmente me han gustado los lienzos de Murillo por la genialidad de captar la expresividad de los rostros. También hay lienzos del Greco y Alonso Cano, entre otros muchos, que me han llamado la atención. Y, por supuesto, Las tentaciones de San Antonio Abad (Hieronymus Bosch, EL Bosco), que puedes contemplar un buen rato sin cansarte, e ir descubriendo nuevos detalles surrealistas con el paso del tiempo. Además es bastante fácil que nos arranque más de una sonrisa.   

Detalle de Las Tentaciones de San Antonio Abad (EL BOSCO)

NICOLÁS MULLER 

Magnífica exposición en blanco y negro de este fotógrafo húngaro. Las fotografías de Muller se pueden clasificar como fotografías de la 'realidad social' o 'fotografías sociales'. La exposición nos hace recorrer su trayectoria; su vida huyendo del nazismo europeo de la II Guerra Mundial (MULLER era judío) y su paso por Francia (París, Marsella), Portugal (Oporto), la ciudad internacional abierta de Tánger (Marruecos) y su paso por España, donde decide quedarse a vivir, reflejando la realidad social de la posguerra, lo que podríamos catalogar en muchos casos como 'La España Profunda'.   Las fotografías de gente obrera, campesina, pobre, contrasta con personajes dictatoriales que dominaban el país como auténticos terratenientes; y que se muestran también en las fotografías. Esta realidad no debe volver jamás, por mucho que se empeñen algunos, pero no está de más observarla para comprender mucho mejor lo que de verdad importa en la vida. Cada uno debe sacar sus propias conclusiones.

El escenario de la exposición es chulísimo. Una torre redonda de ladrillo, que pertenece al Canal de Isabel II (Santa Engracia 125), en donde nada más entrar lo primero que hay que hacer es ver el video/entrevista que realizaron a Muller, y donde habla de su recorrido, de su peregrinar, y de las personas importantes con las que coincidió (sobre todo en España, con los intelectuales de la época, Ortega y Gasset, Cela, Pio Baroja, etc...).    

Después recomiendan subir a la tercera planta, e ir descendiendo las plantas para seguir un orden cronológico de su obra hasta la salida, en donde nos podemos encontrar con su cámara fotográfica, su maleta de viaje, y otros objetos que le acompañaron en su magnífico viaje. 

NICOLÁS MULLER (El contador de cuentos)

MUNDO EXTREME

Pasan cinco minutos de las diez y entro a ver la exposición de estos artistas discapacitados intelectuales sin saber nada de lo que me voy a encontrar, sin ninguna idea preconcebida de lo que voy a ver, ni de lo que voy a experimentar. Como cabe suponer, a estas horas tan tempranas,  la sala está vacía. Me encuentro solo.

Paso despacio de obra en obra. Hay de todo, muchos dibujos, pinturas, renglones torcidos en cuadernos que nos hablan de sueños, de ilusiones, de fantasías, de preocupaciones o incluso de obsesiones. A medida que observo pienso más en los/as artistas que en las obras. ¿Qué quieren decir? ¿Qué nos cuentan?  Las casas deformes de los dibujos se asemejan a algunas casas de Van Gogh, pero como si las hubiera dibujado un/a niño/a  pequeño/a. Personajes fantásticos, gente común, dibujos encerrados en mil rallas de bolígrafo, manchas de colores en todas las direcciones, personajes que ocupan el margen izquierdo de una cartulina que se abre al blanco de la nada todo su espacio, como si le diera vergüenza estar en el centro del papel. Curioso. Y cada vez los dibujos me dicen más cosas de sus creadores. Ha pasado media hora y escucho una tos. Al principio de la sala hay una chica que observa atenta el dibujo del hombre lobo. Ya no estoy solo.

Entro en la segunda sala y ahí están las obras plásticas. Madera, cartón, escayola, alambre, tela. No sé muy bien la razón pero estas obras hablan más. Y me cuentan más de quienes las crearon (además las leyendas me informan también). ‘Un armario con ruedas’, curioso artilugio. Veo las ruedas y el armario, pero no veo la puerta. ¿O acaso si la tiene y soy yo quien no la ve?  Tres bustos de mujer se titulan ‘Atrapadas’. Las tres miran con la cabeza inclinada hacia abajo llorando lagrimas negras, y sobre su pecho surcos de tinta roja como la sangre. Se las ve tristes y es cierto que están atrapadas, pero ¿cuál es su cárcel?, y ¿porqué han sido condenadas? También está el hombre lobo. Grande, más alto que yo, altivo, desafiante.  

Me pongo a pensar en lo difícil que lo tienen estos artistas, y mucho más ahora, por los momentos que pasamos. Solo espero que esta gente que sueña como todos, que se ilusiona con su creatividad como todos, no caigan en el olvido social, pero mucho menos en el abandono social.  Pero pienso que eso no va a pasar. La sociedad es mucho más inteligente y mucho más justa que los gobiernos; que cualquier gobierno. De hecho, un simple individuo justo es mucho más inteligente que cualquier gobierno. Y hay cientos, miles, decenas de miles, millones de individuos justos y libres que pueden decidir la manera en que los gobiernos cuiden de esta gente. No son diferentes de los demás, salvo por el hecho de que seguramente necesiten más cariño, apoyo y respeto que otra gente. Y eso necesita atención, no abandono ni exclusión.

Ha pasado más de una hora y salgo de la exposición. En la puerta de entrada hay un grupo de unas quince personas con síndrome de Down atentas a las indicaciones de su profesora dispuestas a entrar. Me dirijo a la salida. Una de ellas me agarra del brazo y señala detrás de mí.  Si, en el suelo está la braga que me ha cubierto el cuello del frio esta mañana. La recojo, sonrío a esa mujer y le doy las gracias; pero ya no me hace caso, sus ojos están pendientes (como los de todos) de las explicaciones de la profesora. Y en todos ellos brilla la ilusión y el nerviosismo de lo que se van a encontrar, de lo que van a ver, de lo que van a experimentar, de lo que van a pensar. Los ojos no mienten. No hay mejor libro en el Universo que el que llevamos escrito en nuestra cara. Fácil de leer para algunos y difícil para otros, pero con un lenguaje universal que todos entendemos y que nos hace ser a todos iguales. Llevamos escrito nuestro ser a la vista de todos y nos comunicamos de igual manera unos con otros. Es de justicia pensar más en lo que nos une que en lo que nos diferencia, ¿no creéis?  

MACCHIAIOLI

La exposición de estos artistas italianos es realmente fantástica. Los Macchiaioli (manchistas) son los precursores de pintores impresionistas, y grandes dominadores de la luz y de la sombra. Merece la pena asomarse a este mundo unos minutos y apreciar su obra.

Las pinturas resaltan por su luz en las tenues y agradables salas de Mapfre. Una de las cosas que más me ha llamado la atención es que la mayoría de las obras están pintadas en formatos apaisados, más anchos que altos. Esto se debe a que estos artistas intentaban captar (sobre todo en la temática paisajista y rural) la amplitud del paisaje y toda la luz que les fuera posible. Al ver las pinturas podemos recordar esas fotografías panorámicas que hacemos en el campo con nuestras cámaras de fotos cuando queremos abarcar todo el paisaje. Es como si estos artistas pintaran con un gran angular. Otra de las cosas que llaman la atención es el tratamiento de la luz y de las sombras, realmente espectacular. Con el frio que hace en la calle, me entran ganas de meterme en uno de esos paisajes toscanos, de cualquier pueblo, y calentarme bajo el sol de la Toscana o descansar a la sombra de sus casas. Por cierto, no son sombras muy marcadas, sino hermosos degradados de la luz.

Al final me sorprenden unos cuadros del español Mariano Fortuny quien, en su corta vida, recogió gran influencia de estos artistas florentinos; y que, a su vez, inspiró a generaciones futuras de artistas españoles, auténticos maestros de la luz y de las sombras, como el genial Sorolla.   

Por último merece la pena ver el video que refleja esta pintura en el cine a través de los ojos de Luchino Visconti. El video muestra escenas de dos de sus películas más conocidas: Senso(1954) y el Gatopardo(1963). Al ver las escenas podríamos parar la grabación en cualquier fotograma y obtendríamos un cuadro de la exposición que acabamos de ver, así de sencillo y de bien ambientada resulta la grabación. Todo queda fielmente reflejado. La Toscana rural; las luchas y conflictos bélicos de la época en favor de la independencia italiana y la unificación de Italia; las escenas intimistas que retratan a los personajes de la época. Visconti refleja la belleza y la luz de estos 'macchiaioli' llevándolo a la gran pantalla.

Telemaco Signorini
La sirga, en Le Cascine de Florencia
[Detalle]
1864
Óleo sobre lienzo